Cet accessoire pour appareil sous iOS (ainsi que pour certains Mac) permet tout simplement de raccorder un micro à condensateur externe à votre iPhone, iPad ou iPod Touch.

L’intérêt premier du iRig Mic est de proposer un micro de meilleure qualité que celui qui équipe les iPhone et iPad. Il s’adapte à plus de situations, notamment les enregistrements à fort volume en saturant beaucoup moins vite. On branche le micro, on lance l’appli et c’est parti, l’enregistrement se veut avant tout simple d’emploi et immédiat.

Le iRig Mic ne rencontre pas une grande concurrence sur son marché, en particulier à son niveau de prix (actuellement 39 euros en promotion de Noël dans les bonnes laiteries). C’est donc un compagnon idéal pour les podcasteurs ou journalistes qui veulent un son de qualité à prix correct et facile à transporter. Autre avantage à leur attention : le iRig permet également d’éditer de façon basique les enregistrements : niveaux, atténuation des bruits de fond, césures etc…

L’astuce qui fait la différence c’est un sélecteur 3 positions qui permet de moduler la sensibilité du micro selon la source d’enregistrement : bruyant, normal, faible. Les étudiants pourront donc par exemple enregistrer un cours dans un ampli bondé et un amateur de concerts pourra se faire un petit souvenir ou enregistrer son groupe à moindre frais.

D’un point de vue qualitatif, l’ensemble est costaud, en métal assez dense qui donne une sensation de solidité appréciable. Seul le câble est un peu fin et son raccord avec le micro est inamovible donc attention à cette partie. A noter, l’ensemble est livré avec une petite housse en simili-cuir.

Un bémol, iRig a décidément la mauvaise habitude de vendre ses applications en kits. Ainsi , si la version de base du logiciel d’enregistrement est gratuite, vous devrez vous acquitter de quelques euros supplémentaires (1,89 €) pour pouvoir faire un export en wav sinon vous devez vous contenter d’un mp3 à 96 Kbs… pas terrible. Et puis autre point un peu agaçant… IK Multimedia tien vraiment à vous faire savoir qu’ils vendent d’autres accessoires… des pop-up n’arrêtent pas de vous le signaler pendant l’usage de l’appli ce qui est particulièrement irritant et gâche le plaisir d’utilisation qui est globalement bien pensé.

Pour ce qui est du son, le résultat est bon je trouve. J’ai effectué une comparaison en diverses situations avec un Shure SM57. Vous pouvez retrouver le test audio ci-dessous en vidéo. Vous constaterez que le iRig Mic s’en tire plûtôt bien !
En mode sensibilité forte, le ronronnement de chat (un exemple parmi d’autres) sera mieux rendu. En repiquage d’instruments, il ne s’en tire pas trop mal non plus. Le son manque de rondeur c’est certain.

Spécifications du iRig Mic
Microphone Type: condenser electret
Polar Pattern: unidirectional/cardioid
Frequency Response: 100 Hz – 15 kHz, -3dB
Maximum Sound Pressure (set for high sound pressure): 120 dB
Maximum Sound Pressure (set for mid sound pressure): 90 dB
Maximum Sound Pressure (set for low sound pressure): 75 dB
Distortion: 3% THD at 120 dB, 1 kHz
Windscreen: built-in
Power and Connection: works with iPhone/iPod touch/iPad only

Egalement compatible avec les Mac :
MacBook Pro released ‘Late 2008′ and on… yes
MacBook released ‘Late 2008′ and on… yes
MacBook Air released ‘Late 2010′ and on… yes
iMac released ‘Early 2009′ and on… yes
Mac Mini released ‘Mid 2010′ and on…

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Et bien sincèrement, la lecture de cette méthode du professeur Krooks m’a vraiment donnée envie de re-débuter.

Le bouquin de 96 pages est accompagné comme il se doit d’un CD d’exemples. La méthode consiste à progresser en abordant de nouvelles difficultés (rythmes, nouveaux accords etc…) de façon très progressive, petit pas par petit pas. Jusque là, rien d’original pour une bonne méthode.

Là où ça devient intéressant c’est que les morceaux n’ont franchement rien de plan-plan : ça rock, ça swingue, ça pétille avec des tubes récents et populaires, anglais et français. Le mix est parfait.

Voilà d’ailleurs la liste des morceaux abordées :
Karma police ; Radiohead
Nostalgic du Cool ; M
Imagine ; J. Lennon
Hey Joe ; J. Hendrix
Where Did You Sleep Last Night ; Nirvana
Jumpin Jack Flash ; The Rolling Stones
Highway To Hell ; AC/DC
The Passenger ; Iggy Pop
Hallelujah ; L. Cohen (version Jeff Buckley)
Chansons pour l’Auvergnat ; G. Brassens
Rehab ; Amy Winehouse
Save Tonight ; Eagled-Eyed-Cherry
Creep ; Radiohead
All Day and All of the Night ; The Kinks
Anyone Else But You ; The Moldy Peaches (b.o de Juno)
These Boots Are Made for Walkin’ ; N. Sinatra
Les Cactus ; J. Dutronc
Spiritual ; J. Cash
Emmenez-moi ; C. Aznavour
Music When the Lights Go Out ; The Libertines

Ensuite, ce qui m’a frappé, c’est la richesse du contenu ET sa mise en page impeccable. Chaque morceau s’accompagne d’une tablature, d’explication sur l’auteur, d’anecdotes, d’un guide rythmique, des paroles, d’alternatives rythmiques etc… C’est très propre, très agréable à lire et ca donne franchement envie de se plonger dedans.

En résumé, on ouvre la méthode Krooks et 2 heures plus tard on peut jouer son premier Jumping Jack Flash des Stones… Que demander de plus !

A titre personnel, même après 8 ans de pratique, j’y ai trouvé d’excellentes idées de morceaux simples et amusants, à joueur en groupe ou seul. J’y ai même retrouvé un des morceaux qui m’a donné envie de jouer de la guitare aka Save tonight de Eagle Eye Cherry…

Bref, vous l’aurez compris, je vous recommande absolument cette méthode qui est juste parfaite pour découvrir la guitare de façon amusante. Je la garde sous le coude pour ma fille, dans 1 ou 2 ans , ça fera une heureuse. Vous pouvez la trouver pour 30 euros dans toutes les bonnes laiteries.

Un jeu-concours est à venir. Vous pourrez tenter de remporter un exemplaire de la méthode ! Stay tuned guys !

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En résumé, il vous faudra créer un périphérique agrégé puis définir dans GarageBand  les sources d’entrées au sein même de ce périph agrégé et enfin activer le mode d’enregistrement multipiste simultané. C’est expliqué en vidéo…

Tutoriel GarageBand : enregistrer simultanément… par netgui

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Vous avez tous été confronté au jeu sur scène, et du son tout pourri qui détruit totalement tout le boulot que vous avez fait pendant les répètes.

Mais comment y remédier ?

Autant le dire tout de suite, ce n’est pas simple, c’est même délicat. Et aussi, surtout ne pas mélanger le son sur scène et le son en façade.

Pour le son en façade, il faut qu’il soit clair, chaque instrument bien détaché, et les niveaux sonores équilibrés. ça ne se fera pas par la panoramisation (déplacer les instruments dans l’espace stéréo) mais bien par l’équilibre et l’équalisation de chaque instrument. et aussi le niveau global du son en façade qui ne doit pas être bouffé par le batteur fou qui tape comme un sourd. il faudra bien tenir compte du niveau global par rapport aux instruments sur scène. le guitariste qui joue avec un mur de Marshall 3 corps, ça risque bien de noyer la sono de façade. il ne faut pas oublier que le soliste (chant, ou instrument) doit être en avant. il n’y a rien de plus pénible qu’un chanteur noyé dans le mix et couvert par l’accompagnement.

Pour mettre tout cela en oeuvre, il va falloir tout d’abord une sono potable, une table de mixage qui permet des réglages fins au niveau de l’équalisation de chaque piste, des bons micros.

Je ne reviendrais pas sur les différentes façons de repiquer un ampli, un clavier: micro, line out + D.I., chacun à ses propres recettes. n’oublions pas non plus que le son obtenu dans la salle de répète sera radicalement différent sur scène. donc le son peaufiné dans sa chambre avec son ampli a toutes les chances d’être pourri sur scène.

Mais imaginons que vous avez la bonne sono, que vous avez convaincu vos partenaires de ne pas jouer avec les amplis à donf, il va falloir donc insérer les différents instruments et micros dans la table de mix. ensuite, va commencer le vrai et délicat boulot du mix. un petit truc pour commencer: faites la balance à haut niveau. ensuite vous pourrez redescendre le volume général en étant sur que vous n’aurez pas de larsens. deuxième petit truc: faites la balance façade SANS les retours. ensuite faites la balance pour les retours. troisième truc: vous mettez le curseur de volume d’une voix à 0db (pratiquement à fond) et vous montez le gain jusqu’à saturation. une fois la saturation obtenue, vous redescendez le gain avant la saturation et vous pourrez ainsi moduler le volume sans distordre.

Sur votre table de mix, essayez de répartir les instruments et voix de manière géographique. ça permet de ne pas avoir à chercher le micro chant à droite ou a gauche quand le chanteur se trouve au milieu de la scène

Et là, une fois que tout est branché, il va falloir faire l’équilibre de volume de chaque instrument, individuellement et avec tout les autres. ensuite, voir si on ajoute un effet sur les instruments. en général, pas d’effet sur les instruments électriques et sur la batterie (je ne parle pas du gate ou de la compression, mais des reverbes chorus,…). on peut mettre une petite réverbe sur la caisse claire, mais légère. pour les voix et les cuivres, pour moi, c’est simple: une reverbe Hall à 30 % et c’est tout. si on peut modifier la longuet, c’est bien. mais pour ça je vous laisserais découvrir tout ça sur un lien.

Et là, vient le plus dur: l’équalisation. pas de miracles, mais peut être bien des recettes simples. pour cela, je vais me baser sur les recettes d’un site: http://www.ziggysono.com

Sur ce site, dans la rubrique téléchargement, vous trouverez entre autres un fichier “le_son.pdf” dans la rubrique téléchargement. bien que le site n’est pas mis à jour, ce fichier reste quand même une base plus qu’intéressante.

Alors, tout d’abord, pour détacher un instrument dans le spectre sonore global, l’équalisation permet de renforcer les fréquences propres à l’instrument. outre l’équalisation, la compression et le Gate seront des atouts supplémentaires. mais contentons nous d’examiner quelques recettes propres aux guitaristes et aux chanteurs. pour le reste, je vous renvoie à ce fichier que je garde toujours précieusement avec moi, sur mon ipad et mon iphone. et bien sur, cela suppose que vous ayez un équaliseur permettant ces réglages. voici donc quelques réglages préconisés par ce fichier:

GUITARE ÉLECTRIQUE :

son clean (funky)

• grave + 4 db à 250 Hz
• médium – 4 à 6 db à 800 Hz
• aigu + 2 à 4 db à 4 kHz

son clean (blues)

• grave + 4 db à 250Hz
• médium + 4 db à 1,2 kHz
• aigu + 2 db à 4 kHz

son saturé (blues,lead)

• grave +4 db à 250Hz
• médium +4 db à 1,2 kHz
• aigu + 2 db à 4 kHz

son saturé( moderne heavy)

• grave +10 db à 180Hz
• médium – 6 db à 800 Hz
• aigu + 6 db à 4 kHz

GUITARE ACOUSTIQUE

• grave +4 à 6 db à 160 Hz
• bas-médium – 4 db à 500 Hz
• médium -2 db à 1,6 kHz
• aigu + 2 à 4 db à 6 à 8 kHz

Note perso : pour éviter le larsen, faire une coupure franche à 400 hz

BASSE

• Relever les harmoniques graves et aiguës :
• grave + 2 à 5 db à 100 Hz
• bas-médium – 3 db à 800 Hz
• médium + 2 à 4 db à 2 kHz
• aigu – 8 db à 10 kHz
• passe-bas à 8 kHz

VOIX

Atténuer un peu les bas-mediums et relever les haut-medium fait bien sortir la voix :

• Filtre passe haut à 100 Hz
• grave + 2 db à 200 Hz
• bas-médium – 2 à 4 db à 350 Hz
• médium + 4 à 6 db à 2 kHz
• aigu + 2 db à 5 kHz

Note perso : l’intelligibilité de la voix se fait dans la zone 2khz-6khz. trop l’accentuer rendra la voix agressive. parfois, augmenter entre 250 hz et 600 hz peut donner de la chaleur à la voix.

Note perso : si votre chanteur à tendance à faire des vilains ‘pop’ dans le micro, coupez franchement à 100 hz et à 225 hz. faites lui dire dans le micro “mon papa est pompier à Perpignan”

En règle générale, évitez de booster les mêmes fréquences pour des instruments différents. si  la grosse caisse et la basse ont une même fréquence amplifiée, ça fera une grosse bouillie.

Ensuite pour le mix général, vous pouvez appliquer ces réglages:

• grave + 3 db à 80 Hz
• bas-médium – 3 db à 350 Hz
• médium – 2 db à 2 kHz
• aigu + 2 à 4 db à 12 kHz

Pour ce mix général, évitez de grossir trop les basses et les aigus et de diminuer les médiums, sinon vous obtiendrez un son  DJ disco.

Donc en règle générale, mettez en valeur les fréquences propres à chaque instrument, n’abusez pas de la révèrbe qui noie la voix ou l’instrument, si vous panoramisez, faites le avec délicatesse. surtout pour les instruments graves, car les fréquences graves n’ont pas de spatialisation stéréo. un caisson basse ou un ampli de basse peut se mettre n’importe où.

Bon ces quelques conseils/tuyaux ne sont pas une règle absolue, mais une base de travail. et ensuite il vous faudra faire le travail des retours. et là, ça va être un autre boulot, car il faudra trouver un équilibre propre à chaque instrumentiste. mettre la voix en avant dans chaque retour, inutile de reprendre la guitare solo si le guitariste joue avec l’ampli à don et si la scène est petite. pour ma part, mon ampli est à faible volume, et je repique celui ci dans mon retour, comme ça l’ampli ne gène pas trop les autres musiciens, et j’ai du confort d’écoute.

Tout ceci implique de ne pas céder aux caprices des musiciens, de parfois leur imposer une balance à laquelle ils s’habitueront très vite, et n’oubliez jamais que la puissance sonore n’est pas un gage d’énergie. un bon mix sera plus énergique qu’une bouillie infâme à fond les manettes.

Et dans le cas de répètes sans table de mixage, n’hésitez pas à régler chaque ampli pour que les fréquences ne se chevauchent pas, même si le son n’est pas tout à fait ce que vous souhaitez et répartissez bien les ampli dans la salle, et surtout, baissez le niveau !

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Le Blog Qui Gratte a eu la chance d’en recevoir un modèle en avant-première. Nous sommes donc heureux de vous proposer le test de cet engin qui préfigure nos guitares au 21ème siècle. Alexis de Guitarschoolgarden.fr a réalisé une démo complète de l’instrument en vidéo. Vous la retrouverez en conclusion de cet article.

Une guitare à modélisation : pourquoi faire ?
Rappelons que les Variax sont des guitares à modélisation : le son est modifié par un traitement numérique pour reproduire la sonorité de plusieurs guitares de légende.  A ce propos, je vous recommande cette excellente présentation réalisée par Marcus Ryle il y a quelques années pour le Think Tank TEDx. Le co-fondateur de Line6 y explique le cheminement qui a conduit vers la modélisation sonore en général et la Variax en particulier.

De la Variax 2003 à la Variax 2010
Line6 n’en est pas à son coup d’essai en matière de guitare. La première Variax 500 a été commercialisée en 2003. Radicalement différente, cette guitare n’avait tout simplement pas de micro magnétique avec les inconvénients que cela suppose : plus de batterie = plus de son. Ah c’est ballot !
Les James Tyler Variax ont donc corrigé le tir drastiquement avec des modèles revus et améliorés. En premier lieu donc, l’ajout de micros de fabrication maison. La James Tyler est donc de ce point de vue une guitare tout ce qu’il y a de plus traditionnel. Vous branchez votre câble à l’ampli et en voiture Simone.

En plus de ces micros magnétiques, les Variax sont équipées d’un piezo qui va transformer les vibrations des cordes en signal électrique. Ce signal est alors analysé en temps réel par le processeur Double Coeur qui équipe la bête pour restituer de nouvelles sonorités. Au menu ce sont 25 guitares qui sont modélisées : des solid body, des hollow body, des acoustiques, banjo, 12 cordes etc…En plus de ces 25 modélisation de guitare, la JTV propose également 11 accordages (Drop D etc…). Un tour de molette suffit pour passer de l’un à l’autre. Vous pouvez même créer votre propre accordage ou créer un capo virtuel pour monter ou descendre aisément de plusieurs tons sans changer de position. Génial tout simplement !

Notez au passage que le système électronique des JTV a été revu depuis la génération précédente. Un processeur plus puissant assurant une restitution sonore plus détaillée et plus de possibilités de paramétrages.

3 modèles de JTV
Line6 propose 3 modèles de James Tyler Variax : JTV-59, JTV-69 et JTV-89. A chacune son look. Nous avons pu tester une JTV-59 gibsonienne qui a en outre une petite spécificité dans son mode de sélection des guitares modélisées. En effet, contrairement à ses 2 camarades de jeu, la JTV-59 ne dispose que d’un sélecteur de micro 3 positions. Or, chaque banque de sons propose 5 possibilités. Problème : comment obtenir 5 modélisations avec 3 positions de switch seulement. La solution trouvée par Line6 est un bouton poussoir équipé de 2 leds lumineuses de couleurs différentes : une première pression permet d’accéder aux positions 1, 3 et 5 et une seconde pression aux positions 2 et 4.

Résultat : il faut quand même un peu de mémoire pour se souvenir des combinaisons de boutons + switch pour obtenir le son voulu. Pas facile du premier coup. Mais heureusement il y a le mode Custom qui permet de sauvegarder ses presets favoris pour y accéder d’un coup de molette. C’est bien vu de la part de Line6.

Focus sur la batterie
Les JTV coréennes sont livrées avec 1 batterie contre 2 pour les modèles US. Comptez 12 heures d’autonomie annoncée, ce qui d’après nos mesures est effectivement constaté. A noter que la batterie est un format propriétaire, disponible à la vente pour 50 euros sur le Line6 Store.

Petite astuce pour économiser leur durée de vie : baisser le volume au minimum permet de mettre le processeur en veille en quelques secondes. Il sort de veille instantanément quand vous augmentez à nouveau le volume sonore.

Et pour nous les guitar geeks heroes
Line6 va un peu plus loin en proposant l’application Variax Workbench. Raccordez votre James Tyler Variax à votre ordinateur via le port ressemblant fort à de l’éthernet et l’adaptateur USB fourni, lancez l’application et à vous les joies de la customisation à 100% de votre son. Vous pouvez virtuellement choisir la disposition des micros, leur type, choix du corps etc… un vrai labo de luthier en 3 clic de souris.

Mon avis global sur la James Tyler Variax JTV-59
On oublie très vite que l’on joue sur un instrument qui simule le son de guitares. La lutherie est magnifique, offre un bon sustain. Elle résonne très bien à vide. L’équilibre global est parfait et les finitions aussi. Fan des sonorités Stratocaster, je trouve mon bonheur à 100% dans la simulation qui en est proposée. Cette guitare somme toute assez technique vous permettra en plus de développer votre jeu. Chaque type de guitare simulée appelle un style particulier : difficile de ne pas jouer du bluegrass au son du banjo ou du Hendrix au son de la Strat. Au final des jours de plaisir et de versatilité.

Les plus :
+ 25 guitares en une : quelle économie, quel gain de place !
+ Un prix correct pour une innovation majeure
+ Une lutherie soignée haut de gamme et un grand confort de jeu
+ Une guitare faite pour les bricoleurs de son : des milliers de combinaisons à tester

Les moins
- Encore un chargeur de plus à trimballer
- Une seule batterie livrée avec le modèle Coréen
- Utilisation et mémorisation un peu complexe des presets de la JTV-59

Démo vidéo de la James Tyler Variax JTV-59

Démo de la Line 6 – James Tyler Variax JTV-59 par netgui

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On a vu des iPhone se transformer en studio d’enregistrement pour guitare (voir notre test du iRig) mais jusqu’à maintenant un chainon manquait à l’appel  : pouvoir raccorder un instrument MIDI directement à votre iPhone.

Pour se faire encore fallait-il que le système d’exploitation des iBidules, à savoir iOS, soit compatible avec cette norme. La mise à jour 4.2 de iOS n’a pas cherchée midi à 14 heures et a ajouté ce support.

Il ne restait plus qu’aux fabricants à mettre en place des interfaces compatibles. Line6 en chef de file de la création numérique s’y est donc mise et le résultat se nomme : MIDI Mobilizer II.

Ce petit bloc carré permet simplement de raccorder vos instruments MIDI à votre iPhone ou iPad. L’engin s’adresse donc aux propriétaires de synthétiseurs, de clavier maîtres encore que certains d’entre nous possédent aussi des guitares MIDI ou des batteries électriques.

Du MIDI sur un iPhone : à quoi ça sert ?
Le MIDI Mobilizer II fonctionne avec toutes les applications iOS compatibles avec la norme CoreMIDI, autant dire toutes les applications musicales dignes de ce nom. En première place, GarageBand bien sûr qui permet d’enregistrer votre signal directement au format MIDI, puis de le moduler selon vos besoins pour enfin l’exporter vers un ordinateur. Vous économisez au passage à l’achat d’une interface MIDI pour PC.

Cette configuration est très utile si comme moi vous avez un clavier maître incapable de générer du son de lui même sans le raccorder à un ordinateur. Désormais iPhone fera l’affaire, bien plus petit et transportable, il vous permettra de transformer votre clavier maitre en synthétiseur mais surtout d’enregistrer vos morceaux, puis de les exporter par email (au format SMF) vers un ordinateur pour un traitement plus approfondi.

Line6 propose aussi gratuitement son application maison. Très simple, elle permet uniquement d’enregistrer (MIDI IN) puis de restituer (MIDI OUT) vos créations.

Autre usage interéssant du MIDI Mobilizer II : enregistrer vos parties de batterie électrique pour les retravailler ensuite depuis votre PC. Je vous propose une rapide démo du fonctionnement en vidéo.

Démonstration du Midi Mobilizer 2 de Line6 par netgui

Le résultat de votre enregistrement ressemble à ceci :

Et il ne vous reste plus qu’à l’envoyer par mail vers votre PC pour exploiter le fichier dans votre logiciel de traitement audio préféré.

En conclusion
Le MIDI Mobilizer II est un petit accessoire fûté qui fera votre bonheur si vous être un guitariste propriétaire d’un instrument MIDI. Il vous permettra de récupérer vos pistes sans avoir à vous trimballer un ordinateur et une interface USB pendant vos sessions d’enregistrement. Il est aussi utile pour noter rapidement une idée musicale, fonctionnant alors comme un bloc note sophistiqué. Bien sûr si vous êtes exclusivement guitariste, il ne vous sera que peu utile. Enfin, le MIDI Mobilizer souffre des lacunes de l’iPhone ou de l’iPad, à savoir que pour le moment les applications d’enregistrement iOS sont basiques. Pas de quoi satisfaire un musicien exigeant. Pour ceux là, une interface MIDI USB pour PC sera plus appropriée, cela évitera de devoir sans cesse exporter vos pistes vers votre PC pour ensuite les traiter. J’ai également noté que le MIDI Mobilizer a la fâcheuse tendance à vider la batterie de votre iBidule très très rapidement… même lorsque l’iPhone ou l’iPad est en veille. Il faut donc penser à le déconnecter à chaque fois.

Les Plus du produit :
- interface MIDI de taille réduite, facile à transporter, toujours dans une poche de sac
- fonctionne sans alimentation supplémentaire
- utilisation archi-simple : on branche, ça marche

Les Moins :
- Fragilité : l’engin étant assez long, attention de ne pas faire accidentellement levier au risque d’abîmer le connecteur de l’iPhone
- pas de mode veille et usure de la batterie rapide
- on attend l’éditeur audio  gratuit de Line6 pour permettre une édition – même basique – des fichiers

Caractéristiques détaillées :
Compatible avec les iPod Touch de 3ème et 4ème générations, les iPhone 3GS et 4 et les deux iPad
Compatible avec tous les dispositifs MIDI équipés d’une connexion MIDI DIN 5 fiches
LEDs de statut pour les ports MIDI In et Out (sur TRS 2,5mm)
Connexion au dock de l’iOS (qui l’alimente)
Livré avec une paire de câbles MIDI 2.5mm-5 fiches DIN Planet Waves
Application Line 6 MIDI Memo Recorder gratuite à télécharger sur l’AppStore

Tarif conseillé : 44 euros chez Thomann

Pour plus d’information, je vous recommande le site de Line6

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Déjà une petite remise en contexte s’impose. Résumer le Zouk à Francky Vincent ou Zouk machine ce serait comme résumer le rock à Johnny Hallyday. Comme tout style musical, le zouk est issue d’un mix culturel complexe (biguine, mazurka, reggae…) et il a produit de nombreux avatars, continuellement influencés par d’autres styles. Il y a donc fort à parier que vous trouverez un Zouk qui correspond à vos goûts.

A titre personnel, j’apprécie le Zouk des années 90 qui faisait la part belle à la guitare (et un peu moins à l’auto-tune) avec des artistes tels que Eric Virgal, Tony Chasseur, Taxi Kreol et bien sûr Kassav qu’on ne présente plus etc…

Et puis quoi de tel que d’animer une soirée hivernale au coin du feu avec un petit air entrainant et une rythmique ensoleillée. C’est justement l’objet de cet article !

Pour faire un bon guitariste de zouk, il faut déjà une bonne dose de washé ! Le washé c’est le rythme typique du zouk que l’on retrouve dans la plupart des morceaux. L’équivalent de la pompe pour le manouche en quelque sorte.  On a coutume de dire qu’il existe autant de washés différents que de guitaristes, c’est probablement vrai.

A titre d’exemple je vous propose cette bonne vidéo pédagogique qui explique pas à pas comment construire un washé. Notez l’importance de bien marquer chaque temps en posant la main à plat sur la guitare, c’est ce qui donne cette respiration caractéristique du style.

Et puis je vous propose aussi un second exemple réalisé par votre serviteur pour illustrer l’usage du pouce qui permet de marquer chacun des 4 temps de la mesure. Un zouk rapide tel que ci-dessous vers la fin de la vidéo s’apparente à du “Zouk béton” cher à Kassav par exemple.

Les accords utilisés sont, en boucle : Cm – G# – D# – A#. Ils sont assez courants dans de nombreux zouks, par exemple celui de Eric Virgal, “Pa fe mwen la pen” qui a été un énorme succès. Vidéo ci-dessous. Si vous avez des questions sur la mise en place n’hésitez pas à les poser en commentaire

Et enfin, si vous souhaitez apprendre quelques ritournelles, le site Mizikanou regroupe un bon nombre de tablatures zouk, du bel ouvrage !

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Cette version 1.1 propose une option fortement réclamée par les fans de l’application : l’édition de tablature. Bien sûr il ne s’gait aps d’y composer une symphonie mais bien de noter un riff pour y revenir plus tard.

A l’heure où je parle, cette nouvelle mise à jour n’est pas encore disponible dans l’App Store mais cela ne saurait tarder. On en reparlera. Il sera notamment interessant de voir s’il est possible également d’éditer une tablature en la retouchant par endroit, pour corriger une erreur par exemple.

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Le tutoriel vidéo commence par détailler le matériel nécéssaire pour la mise en oeuvre de l’enregistrement, c’est à dire pour avoir un home studio digne de ce nom, notamment :
- un logiciel d’enregistrement multipistes, ici Propeller Head Record Reason
- un ordinateur, ici un Macbook Pro
- une interface audio, ici une Line6 UX2
- et/ou un clavier Midi Line6 KB37
- et bien sûr guitare, basse, micro, ampli, bière etc…

Cette série de 5 vidéos (et plus à venir) explique très clairement la création des boucles de basses puis de guitare; le travail pointu sur les percussions; la correction manuelle de petits écarts entre basse et guitare; les arrangements avec un synthétiseur vocal.

Au final, comme dans tous les bons tuto, on assemble pas à pas des étapes simples pour arriver un résultat complexe. Bien entendu, ces conseils s’adaptent très bien à n’importe quel logiciel de capture audio multipiste, on y retrouve globalement les mêmes réglages et modes opératoires.

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D’abord, je tiens à dire que même si l’on est pas guitariste, l’objet se suffit à lui-même et que c’est un bijou que l’on n’a pas de honte à porter. D’ailleurs, Daniel ne s’y est pas trompé puisqu’il fournit le Niglo avec un petit cordon, afin de toujours avoir son médiator favori sous la main (enfin autour du cou plutôt).

Mais si l’on s’en tient au côté utilitaire et guitaristique du Niglo, il faut savoir que comme tout médiator ergonomique, il ne sera peut être pas forcément adapté à tout le monde. Chaque main étant différente et chaque guitariste tenant son médiator de manière différente, nous ne sommes pas tous égaux devant la prise en main de notre plectre. C’est d’ailleurs à la base, ce qui a poussé Daniel à concevoir ce médiator, puisqu’à la suite d’un accident, il a perdu son index droit et s’est retrouvé dans l’impossibilité de trouver un médiator adapté à sa morphologie.

Côté sonorité, et de manière assez surprenante (je trouve), ce ne sont pas tellement les aigus qui sont mis en avant par le Niglo. Je m’attendais à son son plus agressif à cause du métal (du bronze pour le N4 que j’ai testé) et en fait ce sont eux qui sont le plus en retrait. Par contre, le son est très nettement “épaissi” par rapport à un bout de plastique et quand on fait des allez retour entre les deux, le Niglo est beaucoup plus flatteur une fois qu’on a compensé la légère perte d’aigus. De ce point de vue, il n’y a à mon sens pas photo, le métal sort grandement vainqueur de son duel avec le dérivé du pétrole.

Le Niglo existe en plusieurs variations, chacune étant plutôt orientée vers un type de jeu (rythmique, soliste , acoustique), le N4 étant le plus polyvalent. Daniel vient d’ailleurs tout juste de sortir deux nouveaux modèles : le N1 (spécial jazzeux) et le NG pour nos amis gauchers (merci pour eux Daniel).

Après quelques semaines d’essai, j’étais assez frustré car, autant j’adore le son qui est produit, autant je n’arrive pas à me faire à la prise en doigts (si vous me permettez ce néologisme guitaristique) du N4. J’ai eu beau le retourner dans les deux sens, en rythmique, je ne me sens pas assez à l’aise pour en faire mon médiator de tous les jours. En revanche, si je ne devais enregistrer qu’un piste de solo, c’est certainement vers lui que je me tournerai tant l’impact sur le son est flagrant.

Alors quand on voit le prix que nous sont vendus des médiators en plastique et celui auquel Daniel propose le Niglo (qui est presque inusable rappelons le), je me dis que ça vaut le coup de l’essayer.

Pour passer commande et vous renseigner plus avant, rendez-vous sur le site et vous pouvez toujours contacter Daniel sur Twitter (@leinadfr) ou par le formulaire de contact de son site.

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